La musique est une partie importante de la culture mondiale, sans elle notre monde serait beaucoup plus pauvre. La culture musicale est un moyen de formation de la personnalité, elle fait émerger une perception esthétique du monde chez une personne, aide à connaître le monde à travers les émotions et les associations avec les sons. On pense que la musique développe l'ouïe et la pensée abstraite. L'acquisition de l'harmonie sonore est aussi utile à la musique qu'aux mathématiques. Parlons de la façon dont la formation et le développement de la culture musicale ont eu lieu et pourquoi les gens ont besoin de cet art.
Concept
La musique joue un rôle particulier dans la vie humaine, depuis l'Antiquité, les sons ont fasciné les gens, les ont plongés dans une transe, ont aidé à exprimer des émotions et à développer l'imagination. Les sages appellent la musique un miroir de l'âme, c'est une forme de connaissance émotionnelle du monde qui l'entoure. Par conséquent, la culture musicale commence à se former à l'aube de la formation de l'humanité. Elle accompagne notrecivilisation depuis ses débuts. Aujourd'hui, le terme « culture musicale » désigne l'ensemble des valeurs musicales, le système de leur fonctionnement dans la société et les modes de leur reproduction.
Dans le discours, ce terme est utilisé au même titre que des synonymes tels que musique ou art musical. Pour un individu, la culture musicale fait partie intégrante de la formation esthétique générale. Il forme le goût d'une personne, sa culture intérieure et individuelle. La connaissance de ce type d'art a un effet transformateur sur la personnalité d'une personne. Par conséquent, il est si important de maîtriser la musique dès l'enfance, d'apprendre à la comprendre et à la percevoir.
Les théoriciens croient que la culture musicale est un tout complexe, qui comprend la capacité de naviguer dans les styles, les genres et les directions de cette forme d'art, la connaissance de la théorie et de l'esthétique de la musique, le goût, la réactivité émotionnelle aux mélodies, la capacité pour extraire du contenu sémantique sonore. En outre, ce complexe peut inclure à la fois des compétences d'interprétation et d'écriture. Le célèbre philosophe et théoricien de l'art M. S. Kagan croyait que la culture musicale se distinguait par une dimension individuelle, c'est-à-dire le niveau d'un individu, ses connaissances, ses compétences dans le domaine de cet art, ainsi qu'un niveau de groupe lié à certaines sous-cultures et tranches d'âge de la société. Dans ce dernier cas, le scientifique parle de l'éducation musicale et du développement des enfants.
Fonctions musicales
Un phénomène artistique aussi complexe et important que la musique est extrêmement nécessaire à la fois pour un individu et pour la société dans son ensemble. Ceci est de l'artremplit un certain nombre de fonctions sociales et psychologiques:
1. Formatif. La musique participe à la formation de la personnalité humaine. La formation de la culture musicale d'un individu affecte son développement, ses goûts et sa socialisation.
2. Cognitif. À travers les sons, les gens transmettent des sensations, des images, des émotions. La musique est une sorte de reflet du monde qui l'entoure.
3. Éducatif. Comme tout art, la musique est capable de former certaines qualités purement humaines chez les gens. Ce n'est pas en vain qu'il existe un point de vue selon lequel la capacité d'écouter et de créer de la musique distingue une personne d'un animal.
4. Mobiliser et appeler. La musique peut stimuler une personne à l'action. Ce n'est pas en vain qu'il y a des mélodies de marche, des chansons de travail qui améliorent l'activité des gens, la décorent.
5. Esthétique. Pourtant, la fonction la plus importante de l'art est la capacité de donner du plaisir à une personne. La musique donne des émotions, remplit la vie des gens d'un contenu spirituel et apporte une pure joie.
Structure de la culture musicale
En tant que phénomène social faisant partie de l'art, la musique est une entité complexe. Au sens large, sa structure se distingue par:
1. Valeurs musicales produites et diffusées dans la société. C'est la base de la culture musicale, qui assure la continuité des époques historiques. Les valeurs vous permettent de comprendre l'essence du monde et de la société, elles sont spirituelles et matérielles et se réalisent sous forme d'images musicales.
2. Diverses activités pourproduction, stockage, diffusion, reproduction, perception des valeurs musicales et des œuvres.
3. Institutions sociales et institutions impliquées dans divers types d'activités musicales.
4. Les personnes impliquées dans la création, la distribution, l'exécution de musique.
Dans une compréhension plus étroite du compositeur D. Kabalevsky, la culture musicale est synonyme du terme "culture musicale". Elle se manifeste, selon le musicien, dans sa capacité à percevoir les images musicales, à en décoder le contenu et à distinguer les bonnes mélodies des mauvaises.
Dans une autre interprétation, le phénomène étudié est compris comme une certaine propriété générale d'une personne, exprimée dans l'éducation musicale et le développement musical. Une personne doit avoir une certaine érudition, connaître un certain ensemble d'œuvres classiques qui façonnent son goût et ses préférences esthétiques.
Musique du monde antique
L'histoire de la culture musicale commence dans l'Antiquité. Malheureusement, il n'y a aucune trace de leur musique depuis les toutes premières civilisations. Bien qu'il soit évident que l'accompagnement musical des rites et des rituels a existé dès les toutes premières étapes de l'existence de la société humaine. Les scientifiques disent que la musique existe depuis au moins 50 000 ans. Des preuves documentaires de l'existence de cet art apparaissent depuis l'époque de l'Égypte ancienne. Déjà à cette époque, il existait un vaste système de professions musicales et d'instruments. Des mélodies et des rythmes accompagnaient de nombreux types d'activités humaines. En elletemps, une forme écrite d'enregistrement musical est apparue, qui permet de juger de sa sonorité. Des époques précédentes, il ne restait que des images et des restes d'instruments de musique. Dans l'Egypte ancienne, il y avait de la musique spirituelle qui accompagnait l'exécution des cultes, ainsi que l'accompagnement d'une personne dans le travail et le repos. Durant cette période, la musique apparaît pour la première fois pour être écoutée à des fins esthétiques.
Dans la culture de la Grèce antique, la musique atteint son plus haut développement pour cette période historique. Divers genres apparaissent, les instruments sont améliorés, bien que l'art vocal prévale à cette époque, des traités philosophiques sont créés qui comprennent l'essence et le but de la musique. Le théâtre musical apparaît pour la première fois en Grèce comme un genre particulier d'art synthétique. Les Grecs étaient bien conscients de la puissance de l'impact de la musique, de sa fonction éducative, de sorte que tous les citoyens libres du pays étaient engagés dans cet art.
Musique du Moyen Age
L'implantation du christianisme en Europe a considérablement influencé les caractéristiques de la culture musicale. Il y a une énorme couche d'œuvres qui servent l'institution de la religion. Cet héritage est appelé musique spirituelle. Presque toutes les cathédrales catholiques ont des orgues, toutes les églises ont une chorale, qui font toutes de la musique une partie du culte quotidien à Dieu. Mais contrairement à la musique spirituelle, une culture folklorique musicale se forme, elle trouve l'expression du principe du carnaval, sur lequel M. Bakhtine a écrit. À la fin du Moyen Âge, la musique professionnelle profane s'est formée, elle a été créée etdistribué par les troubadours. L'aristocratie et les chevaliers deviennent clients et consommateurs de musique, alors qu'ils ne se satisfont ni de l'église ni de l'art populaire. C'est ainsi qu'apparaît la musique qui ravit l'oreille et divertit les gens.
Musique Renaissance
Avec le dépassement de l'influence de l'église sur tous les aspects de la vie, une nouvelle ère commence. Les idéaux de cette période sont des échantillons anciens, c'est pourquoi l'ère s'appelle la Renaissance. A cette époque, l'histoire de la culture musicale commence à se développer principalement dans une direction séculaire. À la Renaissance, de nouveaux genres tels que le madrigal, la polyphonie chorale, la chanson, le choral sont apparus. Durant cette période, des cultures musicales nationales se forment. Les chercheurs parlent de l'émergence de la musique italienne, allemande, française et même hollandaise. Le système d'outils de cette période historique subit également des changements. Si auparavant l'orgue était le principal, maintenant les cordes le devancent, plusieurs types de violes apparaissent. Le type de claviers s'est également considérablement enrichi de nouveaux instruments: clavicordes, clavecins, cembalos commencent à gagner l'amour des compositeurs et des interprètes.
Musique baroque
Pendant cette période, la musique acquiert un son philosophique, devient une forme particulière de métaphysique, la mélodie acquiert une signification particulière. C'est l'époque des grands compositeurs, durant cette période A. Vivaldi, J. Bach, G. Haendel, T. Albinoni ont travaillé. L'ère baroque a été marquée par l'émergence d'un art tel que l'opéra, également à cette époque, des oratorios, des cantates, des toccatas, des fugues, des sonates et des suites ont été créés pour la première fois. C'est l'heure de l'ouverturecomplication des formes musicales. Cependant, dans la même période, il y a une division croissante de l'art en haut et en bas. La culture musicale folklorique est séparée et interdite dans ce que l'on appellera la musique classique dans la prochaine ère.
Musique du classicisme
Le baroque luxueux et redondant est remplacé par un classicisme strict et simple. Durant cette période, l'art de la culture musicale est enfin divisé en genres hauts et bas, des canons sont établis pour les genres principaux. La musique classique est devenue l'art des salons, des aristocrates, elle procure non seulement un plaisir esthétique, mais divertit également le public. Cette musique a sa propre nouvelle capitale - Vienne. Cette période est marquée par l'apparition de génies tels que Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. À l'ère du classicisme, le système de genre de la musique classique a finalement été formé, des formes telles que le concerto et la symphonie sont apparues, et la sonate a été achevée.
À la fin du XVIIIe siècle, le style du romantisme s'est formé dans la musique classique. Il est représenté par des compositeurs tels que F. Schubert, N. Paganini, plus tard le romantisme s'est enrichi des noms de F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. En musique, le lyrisme, la mélodie et le rythme commencent à être valorisés. Au cours de cette période, des écoles nationales de compositeurs ont été créées.
La fin du 19ème siècle a été marquée par des sentiments anti-classiques dans l'art. Impressionnisme, expressionnisme, néoclassicisme, dodécaphonie apparaissent. Le monde est au seuil d'une nouvelle ère, et cela se reflète dans l'art.
Musique 20siècle
Le nouveau siècle commence avec des humeurs de protestation, la musique subit également des changements révolutionnaires. Après la Première Guerre mondiale, les compositeurs se tournent vers le passé pour s'inspirer, mais ils veulent donner aux formes anciennes un nouveau son. Le temps des expérimentations commence, la musique devient très diversifiée. L'art classique est associé à de grands compositeurs tels que Stravinsky, Chostakovitch, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Les concepts d'atonalité et d'aléatoire apparaissent, ce qui change complètement l'idée d'harmonie et de mélodie. Pendant cette période, les processus démocratiques dans la culture musicale se développent. La variété apparaît et capte l'attention du grand public, plus tard il y a un mouvement musical aussi contestataire que le rock. C'est ainsi que se forme une culture musicale moderne, caractérisée par une multitude de styles et de tendances, un mélange des genres.
L'état actuel de la culture musicale
À la fin du 20e - début du 21e siècle, la musique traverse une phase de commercialisation, elle devient une marchandise largement reproduite, ce qui réduit considérablement sa qualité. Durant cette période, les possibilités des instruments s'élargissent considérablement, la musique électronique apparaît, des instruments numériques aux ressources expressives inédites. L'éclectisme et le polystylisme dominent dans la musique académique. La culture musicale moderne est un immense patchwork où l'avant-garde, le rock, le jazz, les courants néoclassiques et l'art expérimental trouvent leur place.
Histoire de la musique folklorique russe
OriginesLa musique nationale russe doit être recherchée à l'époque de la Russie antique. Il n'est possible de juger des tendances de cette période que par des informations fragmentaires provenant de sources écrites. À cette époque, la musique rituelle et quotidienne était très répandue. Depuis l'Antiquité, des musiciens professionnels existaient sous le roi, mais l'importance des œuvres folkloriques était très grande. Le peuple russe aimait et savait chanter, le genre de la chanson de tous les jours était le plus populaire. Avec l'avènement du christianisme, la culture musicale russe s'est enrichie d'art spirituel. Le chant choral d'église apparaît comme un nouveau genre vocal. Cependant, le chant monophonique traditionnel a dominé en Russie pendant de nombreux siècles. Ce n'est qu'au XVIIe siècle qu'une tradition nationale de polyphonie se dessine. Depuis lors, la musique européenne est arrivée en Russie, avec ses propres genres et instruments, et la différenciation en musique folk et académique commence.
Cependant, la musique folklorique n'a jamais abandonné ses positions en Russie, elle est devenue une source d'inspiration pour les compositeurs russes et était très populaire parmi les gens ordinaires et l'aristocratie. On peut voir que de nombreux compositeurs classiques se sont tournés vers le bagage musical folklorique. Ainsi, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaïkovski ont largement utilisé des motifs folkloriques dans leurs œuvres. Pendant la période soviétique, la musique folklorique était très demandée au niveau de l'État. Après l'effondrement de l'URSS, la musique folklorique a cessé de servir l'idéologie, mais n'a pas disparu, mais a pris son propre segment dans la culture musicale générale du pays.
Musique classique russe
En raison du fait que l'orthodoxie a longtemps interdit le développement de la musique profane, l'art académique se développe assez tardivement en Russie. À partir d'Ivan le Terrible, des musiciens européens vivaient à la cour royale, mais il n'y avait pas encore de compositeurs. Ce n'est qu'au XVIIIe siècle que l'école russe des compositeurs a commencé à prendre forme. Cependant, pendant longtemps, les musiciens ont été influencés par l'art européen. Une nouvelle ère de la culture musicale en Russie commence avec Mikhail Glinka, considéré comme le premier compositeur russe. C'est lui qui a jeté les bases de la musique russe, qui a puisé des thèmes et des moyens d'expression dans l'art populaire. C'est devenu une spécificité nationale de la musique russe. Comme dans toutes les sphères de la vie, les Occidentaux et les Slavophiles se sont développés dans la musique. Le premier comprenait N. Rubinshtein et A. Glazunov, et le second comprenait les compositeurs de The Mighty Handful. Cependant, à la fin, l'idée nationale l'a emporté et tous les compositeurs russes, à des degrés divers, ont des motifs folkloriques.
L'apogée de la période pré-révolutionnaire de la musique russe est l'œuvre de P. I. Tchaïkovski. Au début du XXe siècle, des changements révolutionnaires se sont reflétés dans la culture musicale. Les compositeurs expérimentent des formes et des moyens expressifs.
La troisième vague de musique académique russe est associée aux noms de I. Stravinsky, D. Chostakovitch, S. Prokofiev, A. Scriabine. La période soviétique est devenue plus une période pour les interprètes que pour les compositeurs. Bien que des créateurs exceptionnels soient apparus à cette époque: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Après l'effondrement de l'Union soviétique,la musique académique en Russie est presque complètement passée à la performance.
Musique populaire
Cependant, la culture musicale ne se limite pas à la musique folklorique et académique. Au XXe siècle, les musiques populaires, notamment le jazz, le rock and roll, la musique pop, occupent une place à part entière dans l'art. Traditionnellement, ces directions sont considérées comme "faibles" par rapport à la musique classique. La musique populaire apparaît avec la formation de la culture de masse, et elle est conçue pour servir les besoins esthétiques des masses. L'art de la variété est aujourd'hui étroitement lié au concept de show business, ce n'est plus un art, mais une industrie. Ce type de production musicale ne remplit pas la fonction éducative et formatrice inhérente à l'art, et c'est précisément ce qui incite les théoriciens à ne pas prendre en compte la musique pop lorsqu'ils envisagent l'histoire de la culture musicale.
Formation et développement
Selon les experts dans le domaine de la pédagogie, la culture et l'éducation de la culture musicale devraient commencer dès la naissance d'une personne, et même pendant la formation prénatale. Cela contribue au développement de l'audition de l'intonation de l'enfant, contribue à sa maturation émotionnelle, développe la pensée figurative et abstraite. Mais si jusqu'à 3 ans, un enfant peut principalement écouter de la musique, plus tard, on peut lui apprendre à jouer et même à composer. Et dès l'âge de 7 ans, les experts recommandent de commencer une formation de solfège. Ainsi, la formation des bases de la culture musicale permet à l'enfant de développer une personnalité polyvalente à part entière.
