Antonello da Messina est un célèbre artiste italien. Au début de la Renaissance, il représente l'école de peinture du sud. Il était le professeur de Girolamo Alibrandi, surnommé le Raphaël messinien. Pour atteindre la profondeur des couleurs dans des portraits nets et des peintures poétiques, il a utilisé la technique de la peinture à l'huile. Dans l'article, nous prêterons attention à une brève biographie de l'artiste et nous nous attarderons sur son travail plus en détail.
Représentant de la nouvelle direction
De nombreuses informations sur la vie d'Antonello da Messina sont controversées, douteuses ou perdues. Mais il est bien évident que c'est lui qui a démontré aux artistes vénitiens les possibilités lumineuses de la peinture à l'huile. Ainsi, l'Italien a jeté les bases de l'un des domaines clés de l'art d'Europe occidentale. Suivant l'exemple de nombreux autres artistes de cette époque, Antonello a combiné la tradition néerlandaise de reproduction optiquement précise des détails de l'image avec des innovations picturales. Italiens.
Les historiens ont découvert qu'en 1456, le héros de cet article avait un étudiant. Autrement dit, le peintre est probablement né avant 1430. Le napolitain Colantonio a été le premier professeur d'Antonello da Messina, dont les œuvres seront décrites ci-dessous. Ce fait confirme le message de J. Vasari. Juste à cette époque, Naples était sous l'influence culturelle de la péninsule ibérique, des Pays-Bas et de la France, plutôt que de l'Italie du Nord et de la Toscane. Sous l'influence de l'œuvre de Van Eyck et de ses partisans, l'intérêt pour la peinture s'accroît chaque jour. La rumeur disait que le héros de cet article avait étudié la technique de la peinture à l'huile auprès de lui.
Maître du portrait
De naissance, Antonello da Messina était italien, mais par l'éducation artistique, il était largement lié aux traditions picturales de l'Europe du Nord. Il a peint de superbes portraits, qui représentent près de trente pour cent de ses œuvres survivantes. Habituellement, Antonello représentait le buste du modèle et le gros plan. En même temps, les épaules et la tête étaient placées sur un fond sombre. Parfois, au premier plan, l'artiste peint un parapet auquel est attaché un cartellino (un petit morceau de papier avec une inscription). L'exactitude et le graphisme illusoires dans la transmission de ces détails indiquent qu'ils sont d'origine néerlandaise.
Portrait d'un homme
Ce tableau a été peint par Antonello da Messina en 1474-1475. est l'une de ses meilleures œuvres. La palette du maître se limite à de riches traits bruns, noirs et individuels de chair etfleurs blanches. L'exception est le chapeau rouge, complété par une bande rouge foncé furtive de la robe inférieure. Le monde intérieur du modèle dessiné n'est pratiquement pas divulgué. Mais le visage rayonne d'intelligence et d'énergie. Antonello l'a très subtilement modelé en clair-obscur. Le dessin net des traits du visage, combiné aux jeux de lumière, confère à l'œuvre d'Antonello une expressivité presque sculpturale.
C'est un homme
Les portraits de l'italien attirent le spectateur avec une surface brillante et brillante et un format de chambre. Et quand Messine transfère ces qualités dans la peinture religieuse (le tableau "Ceci est un homme"), alors la vue de la souffrance humaine devient terriblement douloureuse.
Avec des larmes sur le visage et une corde autour du cou, le Christ nu regarde le spectateur. Sa figure remplit presque tout le champ de la toile. L'interprétation de l'intrigue est légèrement différente du thème de la peinture d'icônes. L'Italien a cherché à transmettre l'image psychologique et physique du Christ de la manière la plus réaliste possible. C'est ce qui fait que le spectateur se concentre sur le sens de la souffrance de Jésus.
Maria Annunziata d'Antonello da Messina
Ce travail, contrairement à l'image "Ceci est un homme", est d'humeur complètement différente. Mais de la part du spectateur, cela demande aussi une expérience intérieure et une participation émotionnelle. Quant à "Maria Annunziata", Antonello semble placer le spectateur à la place de l'archange dans l'espace. Cela donne un sentiment de complicité mentale. La Vierge Marie, assise au pupitre, tient de sa main gauche le voile bleu jeté sur elle et lève son autre main. FemelleComplètement calme et réfléchie, sa tête sculptée uniformément éclairée semble rayonner de lumière sur le fond sombre de l'image.
« Maria Annunziata » n'est pas le seul portrait en buste d'une femme peint par Antonello da Messina. « L'Annonciation » est le nom d'un autre tableau similaire du peintre, qui représente la même Vierge Marie, mais dans une position différente: elle tient le voile bleu à deux mains.
Dans les deux peintures, l'artiste a essayé d'exprimer le sentiment de connexion spirituelle d'une femme avec des puissances supérieures. Son expression faciale, la posture de ses mains et de sa tête, ainsi que son regard indiquent au spectateur que Mary est désormais loin du monde des mortels. Et le fond noir des peintures ne fait que souligner le détachement de la Vierge.
St. Jérôme dans la cellule
Dans les images discutées ci-dessus, il n'y a même pas un intérêt minimal pour le problème du transfert de l'espace environnant. Mais dans d'autres œuvres, le peintre à cet égard était nettement en avance sur son temps. Dans le tableau St. Jérôme dans une cellule » représente un saint lisant sur un pupitre. Son étude est située à l'intérieur d'une salle gothique, sur le mur du fond dont les fenêtres sont découpées en deux étages. Au premier plan, l'image est encadrée par une bordure et une arche. Ils sont perçus comme du proskenium (technique courante dans l'art des pays au nord des Alpes). La couleur moutarde de la pierre accentue le contraste d'ombre et de lumière à l'intérieur de l'espace ressemblant à une grotte. Les détails de l'image (paysage au loin, oiseaux, objets sur les étagères) sont restitués avec une très grande précision. Cet effet ne peut être obtenu que lors de l'application de peinture à l'huile avec un peucoups. Mais l'avantage le plus important de peindre oui Messine n'est toujours pas dans le transfert fiable des détails, mais dans l'unité stylistique de l'environnement aérien et de la lumière.
Autel monumental
En 1475-1476 l'artiste a vécu à Venise. Il y peint un magnifique retable pour l'église de San Cassiano. Malheureusement, seule sa partie centrale a survécu à ce jour, où la Vierge à l'Enfant est représentée dominant le trône. De chaque côté se trouvent des saints. Cet autel appartient au type sacra conversione. C'est-à-dire que la Vierge à l'Enfant et les saints sont dans le même espace. Et ceci est opposé dans la forme à un polyptyque divisé en parties. La reconstruction de l'autel monumental était basée sur les travaux ultérieurs de Giovanni Bellini.
"Pieta" et "Crucifixion"
La peinture à l'huile d'Antonello, ou plutôt la capacité de transmettre l'éclairage avec cette technique, était très appréciée par ses collègues artistes. Depuis lors, le colorisme vénitien repose uniquement sur le développement du grand potentiel d'une nouvelle direction. Les œuvres de Da Messina de la période vénitienne suivent la même tendance conceptuelle que ses œuvres antérieures. La peinture "Pieta", très usée, même dans un état aussi endommagé, remplit le public d'un sentiment tendu de compassion. Sur le couvercle du tombeau, le corps mort du Christ est tenu par trois anges aux ailes pointues fendant l'air. L'artiste a représenté la figure centrale en gros plan.
C'est comme s'il était pressé contre la surface de la toile. Empathie avec la souffrance représentée - c'est ce qu'Antonello da Messina a réalisé en utilisant la technique ci-dessus. "Crucifixion" est une autre image du peintre. Son thème est similaire à Pieta. La toile représente Jésus crucifié sur la croix. À sa droite est assise Marie et à sa gauche se trouve l'apôtre Jean. Comme Pieta, la peinture vise à évoquer l'empathie chez le spectateur.
Saint Sébastien
Cette peinture est un exemple de la façon dont Antonello a rivalisé de nudité héroïque et de maîtrise de la perspective linéaire avec ses homologues du nord de l'Italie. Sur le fond de la place pavée, le corps du saint percé de flèches acquiert des dimensions énormes. L'espace s'engouffrant dans les profondeurs, un fragment de colonne au premier plan et une perspective avec un point de fuite très bas confirment que le peintre a utilisé les principes de la géométrie euclidienne pour construire la composition.
Faits intéressants
- Antonello da Messina, dont les peintures ont été décrites ci-dessus, représentaient généralement ses héros en buste, en gros plan et sur un fond sombre.
- Selon G. Vasari, l'Italien s'est rendu aux Pays-Bas pour apprendre le secret d'une nouvelle technique de peinture. Cependant, ce fait n'a pas été prouvé.
- Jusqu'à présent, il n'a pas été établi de manière fiable qui a enseigné au héros de cet article la peinture à l'huile. On disait que c'était Van Eyck.
